文 | 豆莱说

编辑 | 豆莱说

电影，即使是无声的，也不可能是无声的。更完整的是，它是一部陷入低语的电影。

在最初的画面中，这低语的沉默，这尘埃的回归，这光的回归，这灰色的身体的回归；就像一个孩子，坐在我们里面，还握着我们的手。

从1900年到1910年，在电影开始的时候，我们看到了开场的镜头。

它们只是简单的信息黑板，上面用白色写着制作公司的名称和徽章。

通常，这些黑纸箱放在胶片的末端。Melis Inceer解释说：“当时的主要目的是让观众知道他们将看到什么，并突出电影中的名人。”

有时，在更有创意的情况下，这些盒子是用与电影主题相关的图像来说明的。1901年费迪南德·泽卡的“犯罪史”就是这种情况，它以一张硬纸板的单一固定镜头开始。

这一个场景的插图中，标题用三种语言和三种不同的排版写成。这张短短的几秒钟的开场白的布局风格完全受到了当时图形的启发，尤其是书中插图的风格。

然而，我们不得不等待大约十年的时间，随着学分的制度化，一个进入和离开的过程才开始。

因为Generic，除了它纯粹的信息功能，关于电影的不同参与者，显然是一个视觉过渡区。

第一批片名出现在无声电影时代，因为需要传递信息和歌词，使电影的故事更容易理解。当时使用了“标题”；在固定的纸板上，在两个图像序列之间，用一两行文字在黑色背景上简短地复制演员的几句台词。

它们由几条线组成，通常占据屏幕的大部分，背景通常是黑色的，有时用装饰品或插图点缀。此外，必须指出的是，正如Michel Marie和Rodolphe Pailliez所指出的那样，“直到最近，我们今天所说的intertitre仍然被称为副标题。

这是在无声时代使用的术语。在最初的意义上，副标题指的是电影最初标题之后的一个部分的标题。

Jean-FrancoisBaillon解释说：“在无声电影中，字幕通常被用来承载屏幕上人物之间对话的节选，或者是行动之外的隐含叙述者所传达的信息。这样做实际上是为了提供关于图像的补充信息。

字幕是文字元素被投射到电影屏幕上的第一个视觉表现。然而，随着情节变得更加复杂，字幕盒被证明是必不可少的。

“尽管人们试图制作没有字幕的电影，但电影制作人发现，即使是最开明的观众也无法在没有字幕盒的帮助下跟随情节”。凯文·布朗洛说。

删除标题确实很简单，但很少有效：他解释说：“如果没有一个简单的标题，就需要曲折的视觉解释。”格里菲斯也说，字幕有助于电影：“大量的胶卷可以通过适当地使用几个印刷词来节省。”这位导演认为每一米的胶卷都是有价值的。

此外，应当指出的是，以标题纸板形式出现的文本是有声电影从无声电影中继承下来并显著保存下来的叙事过程之一。

正如Michel Chion所回忆的那样：“虽然显然放弃了对白纸箱，但几部电影在开始使用对白纸箱时，保留了间歇性地使用叙事纸箱。”

通常有两种类型的标题：解释板和对话板。一个解释板将呈现即将到来的动作和背景，而一个对话板将处理一个或多个角色的语音转换。

例如，在无声电影中，对话可以通过多种方式整合：通过放置对话的标题，通过人物嘴唇的移动，以及通过在纸板上加上引号。

当时的片名，或者更确切地说，片名的开头页，与字幕的功能结构大致相同。正如Sarah Boxer所说，“第一部无声电影的片名是在片名盒的形状上呈现的，这些片名盒被拍照并融入电影中。”

这些片名是用来显示主要信息的（制作公司，电影的标题，导演和演员的名字）和字幕。此外，在电影的开头提到一个标题，导演的名字，甚至演员的名字，都是事后才有必要的，当时制片人不得不面对一波复制和假冒的浪潮。

在影片的开头，标题盒包含有限数量的信息。在大多数情况下，只有导演被认为是银幕上的功劳，后来，主要演员被认为是银幕上的功劳。

为了制作这些信息板，制作工作室雇佣了书法和刻字艺术家团队。一旦设计和手写，这些纸箱是这些照片后来被编入电影。背景通常是黑色的，因为白色的背景会使胶片上的缺陷和划痕更明显。

此外，在放映室的黑暗中，明暗的文字为观众提供了极好的阅读。此外，在某些情况下，这些开口纸箱上的字母被装饰性的轮廓所点缀，通常电影的类型决定了它们的风格。

此外，标题并不局限于信息功能：此外，它们具有原始的美学价值，因为它们经常被用作标点符号。

他们吟诵故事，给它一个节奏，也带来一个图形单位：制片人有他们自己的图形风格，从一部电影到另一部电影都使用。在其他情况下，为了特殊的工作，艺术家被雇来画纸板。

乔治·梅里埃在1902年的“月球之旅”中展示了一张简单的黑色卡片，上面写着日期，片名和他自己的名字。

作为他电影的开场白。1903年埃德温·波特执导的“大火车抢劫案”中也有同样的开场结构。

当新的特效继续在电影中使用时，乔治·梅里埃发明了新的“操纵”图像的技术。特别是套印或双重曝光被用来放映电影的标题。

如果不提到詹姆斯·斯图尔特·布莱克顿，英美制片人和导演，他被认为是美国的动画。

斯图尔特·布莱克顿是第一个创作他在20世纪设计的漫画的人，在漫画中，他自己画了一个移动的人。

这部名为“魔法绘画”的电影被认为是继1892年埃米尔·雷诺的动画影像之后的第一部动画电影。但对于我们在这里感兴趣的主题，我们必须提到他1906年制作的一部短片（粉笔板上的动画），名为“滑稽面孔的幽默阶段”。

后者不仅是最早的动画电影之一，而且是第一个呈现动感片名和动画开场，是现代片名序列的前身。

这部动画开场白可以被认为是电影史上的第一部，正如我们今天所定义的那样。

此外，这部电影的标题动画创意的独创性是非常显著的。刚开始的时候，你只看到几条紧紧地排列着的小线。渐渐地，线条被添加并形成字母，标题逐渐变得可读。这个学分的想法远远超前于它的时代。

73年后的1979年，理查德·格林伯格（斯蒂芬·法兰克福导演）为雷德利·斯科特执导的电影“异形”作了现代和极简主义的开场白。

这部电影开始于一个黑暗和黑暗的空间，背景是一个抽象的前卫音乐作品。首先，屏幕上有难以理解的笔画，这些笔画相互补充，最终形成了标题。

与此同时，另外两位杰出的漫画家兼电影制作人，埃米尔·科尔和温莎·麦凯，也毕生致力于实验动画技术的研究。

他们的研究更多地集中在人物的发展和故事的可视化上，而不是他们电影的标题或开场白的动画上。

回到电影世界中的图形主题，我们可以说，在无声电影中，图像和文字的混合可能是电影片尾制作工作在图形中占据主导地位的原因之一。

事实上，排版是一种基本的做法，当时图文并茂的印刷品和广告小册子得到了前所未有的发展。

这个平面设计的新时期同时出现在电影海报的世界里。标题基本上与海报的形象交织在一起。

通过所使用的排版和电影主题之间的一个简单的文体类比，给出了一个轻微的动机：字母的书写方式唤起了标题的含义。

在1910年至1920年间，甚至印刷符号和装饰图案也被纳入黑色的开头页。

爱丽丝·盖伊1912年的“落叶”以三个固定的拼贴画开始，这些拼贴画将文字和Solax公司的标志并列在一起，所有的文字都是白色的，背景是黑色的。

马克斯·林德1913年的“马克斯害怕水”中的开场镜头是一个单一的固定镜头，由一张黑色的硬纸板和白色的文字组成，还有一个装饰性的窗帘框架。

在这个例子中，我们看到了20世纪10年代电影灵感的反映，我们可以在红色幕布的形状中找到剧院的痕迹。

同样的方面也可以在“女人”的开场白中看到。

1914年由塞西尔·德米尔执导，在片名下面提到了导演，制片人和演员（达斯汀·法纳姆饰）的名字，黑色背景上用白色字符装饰，取景灵感来自戏剧幕布。

这个框架似乎是制片人杰西·拉斯基的一种签名，因为他的名字被画在图案中，即使在电影的字幕中也保持不变。

在弗兰克·伍兹为“不容忍”设计的开放计划中，装饰性的纸板也很明显。

后者由格里菲斯执导，于1916年上映，被许多历史学家认为是无声时代最伟大的电影。

弗兰克·伍兹特别与格里菲斯合作，创作了60多部电影。

例如，1914年的“贝图利亚的朱迪特”和1915年的“一个国家的诞生”。

另一位名片设计师杰克·贾穆斯也写了超过12页的开场白，其中最著名的是1927年的“爵士乐歌手”和1930年格里菲斯的“亚伯拉罕·林肯”。

20世纪20年代最好的标题和字幕设计师之一是被称为“电影医生”的拉尔夫·斯宾塞。

他成了电影的“医生”，因为有了他的字幕，一部糟糕的电影可能看起来很好，一部好的电影可能更好。

当然，有必要区分主要的标题创建者和标题写作专家，尽管他们有时是同一个人。

著名的阿尔弗雷德·希区柯克，这是许多人所不知道的，他的职业生涯始于1921-1922年，当时他是无声电影的标题和字幕设计师。

他为超过十三部电影设计了标题和字幕。

电影开场计划的转变和演变是相当渐进的，因此，正如Alexsendre Tylski所说，“基本上很难确定或确切地确定第一部电影的日期，这些电影可能提出了类似于我们所知的片尾形式”。

但他自己根据他对几个参考文献的研究，确定了一些值得注意的摘录。

开头和结尾的片名在1903年埃德温·波特的电影“大急流的攻击”中有了更明显的转折，这是通往栅栏的决定性一步，还有“会徽计划”。

它描绘了土匪头目直视观众，用枪指着他们；一个片段放在导言或结论，有点戏剧性的方式。

到了1910年代末，演员和导演逐渐要求他们的名字出现在片尾片中。

而在此之前，在电影摄影的最初几年，制片人是唯一在银幕上被提及的人。

此外，当时只有一个小团队参与了这部电影的制作。而且这些人并不认为自己重要到可以在银幕上被提及的程度。

正如我们所看到的，在大多数情况下，只有电影制作人和后来的主要演员可以在屏幕上被提及。

当时，这些开场镜头只显示了与电影相关联的著名人物的名字。在这方面，开场白更多的是一个标签，而不是电影的介绍。

即使在1918年，斯科特·西德尼的“猿猴泰山序曲”也只有一张卡片，上面有书法标题和制片人“好莱坞电影”的插图，甚至连导演的名字都没有。

此外，关于导演作为影片作者的地位，Alexandre Tylski解释说：“今天，导演被认为是影片的主要作者，但在电影摄影的早期，情况并非如此，在电影摄影的早期，只有制片人或制片公司才有权获得许可。

Jean Charles Tacchella在“电影作者”的序言中写道：“导演作为一部电影的主要工匠，动画师和导演的首要地位于1914年在美国和三年后在法国得到确认。

导演成为国王，他的重要性与日俱增。在海报和大厅的正面，开始像引用作家的名字一样引用他的名字，电影就变成了艺术品。”

1910年1月，乔治·杜洛在“Cin é-Journal”上写了一篇文章，对电影的一般情况和作为电影制作人的地位有特别重要的意义。

“在过去的一年里，每周都在放映室里见到的普通电影观众得到了比以往任何时候都更好的服务；座位价格没有上涨，几乎所有大型设施的舒适度都有所提高，节目质量也有了很大改善。

首先，我们必须祝贺制造商，他们根据肥沃的竞争法则，以艺术和物质上的努力来竞争，使他们的生产达到更好的水平。

每个人都必须承认这部电影正在进行中。尽管题材稀少，但令人遗憾的是，由有品味的人或专业作家写的剧本越来越多地被导演处理。

让表演者们，经过可悲的尝试，能够理解电影的表达方式，不再沉迷于或者很少沉迷于这种特殊的癫痫，许多人可以说，这种癫痫就是电影摄影本身。

事实上，与绘画或雕塑等造型艺术是一个人的作品不同，一部电影是一个团队的工作成果。然而，电影观众认为导演是这部电影的作者。

如前所述，早期的电影可以通过片名和制作公司的名称来识别。

在20世纪10年代末20年代初，电影的片名也逐渐服务于“一个集体的事业，同时也是对”导演”的认可。

这在一定程度上是由一些著名艺术家推动的，特别是大卫·格里菲斯和查理·卓别林。

格里菲斯在一个装饰性的概念中使用了他的签名，并与框架交织在一起，在一部电影的过程中，在几个黑色的盒子里。

1921年的“风暴孤儿”，1920年的“向东走”或1919年的“破碎的花朵”，都是使用这些带有格里菲斯签名的装饰框架的例子。

因此，几乎所有的参与者都在这些通用中被提及。因此，与前几年的单张纸箱相比，这些纸箱变得相当长（一分钟或更长）。

在大约十年前的1913年，在传记公司制作的“母亲的心”中，开拍镜头只是一个简单的盒子，画的是一只老鹰，甚至没有提到导演格里菲斯的名字，而在片尾片中，参与者的出现是相当了不起的。

但在20世纪20年代，当演员们也把他们的存在强加给片尾时，电影的开场白需要更多的空间来呈现主角。

因此，它需要增加开放计划的数量。另一方面，这为电影开头的创意创造了越来越多的空间，片名变得更加复杂和富有创造性。

但平面艺术对电影的贡献并不局限于电影海报或字幕盒的设计。他们是为电影服务的，当拍摄电影需要绘画时。

这就是约翰·哈拉斯在谈到这个问题时所指出的。后者提醒我们，自从电影问世以来，最伟大的导演都求助于绘画。

约翰·哈拉斯解释说：“爱森斯坦认为他必须写每一个计划，让·科克托和卡尔·德雷尔紧随其后。一些杰作，如亚历山大·涅夫斯基，俄耳甫斯，美女与野兽或圣女贞德，都是根据图形要求精心设计的，比任何其他方法都更能突出人物或情境。”

参考文献：

谢强.法国新浪潮电影与新浪潮导演[J].当代电影,2020(01):116-120.

兰华英.法国电影赏析与文化移情探析[J].散文百家(理论),2020(04):13.